Встречи с белорусскими художниками. «Между реальным и непостижимым»

Сегодня современное искусство уже невозможно представить без абстрактных, нефигуративных форм. Ворвавшись в изобразительный ряд как вызов понятному, буржуазному искусству, абстракционизм очень быстро занял сильные позиции не только в чистом искусстве, но стал высокооплачиваемым «товаром» на арт-рынке. Современный зритель готов воспринимать «отвлеченные» работы художников, процесс опознавания которых иногда становится более плодотворным, чем «прописная истина» реалистического искусства.

Алексей Иванов

По словам Алексея Иванова, пространство Минска стало очень важной темой в его творчестве. Над проектом «Запретный город» художник работал более 10 лет. В результате получилась серия работ, в которой Минск предстал в неожиданных, не сразу узнаваемых формах.

Алексей Иванов:

― К Минску у меня двоякое отношение. С одной стороны, это чувство близости к городу, рожденное через бесконечные прогулки, в результате которых появилась своя ментальная карта места. С другой ― ощущение Минска как «недогорода», который не стал городом или потерял это качество. Появилась тема «отчужденности» архитектуры от человека и от цивилизации в принципе.

Работы «Запретного города» геометрически строго выверены, очень конкретно решены по цвету. Художник сознательно не вводит в пространство холста жителей города. В попытке понять суть места он освобождает архитектуру от декора, многочисленных окон и дверей, оставляя самое необходимое, на его взгляд. Зелень тоже отсутствует, потому что «тело» города ― это его камень.

А.И.:

― Минск называют «чистым городом». Но иногда эта чистота доходит до парадоксальности, создавая ощущения стерильности и пустоты. Город начинает терять свою глубину. Становится очищенным, холодным и бетонным. На мой взгляд, это и есть его суть.

Персонажей города Иванов исследовал в отдельном цикле работ ― «Действующие лица», героями которого стали маргиналы и городские сумасшедшие. Это другая, живая сторона города, та, которую жители предпочитают не замечать, но без которой невозможно вообразить городской миф.

На встрече художник рассказал и о последних своих работах, одной из которых является «Церемония», выставленная на прошедшем в декабре II Белорусском биеннале живописи, графики и скульптуры. Художник делает акцент на бесконечном повторе ― пускает в «тираж» отдельный элемент (фигуру, форму). Таким образом, утверждая механичность и безжалостное движение нашей повседневности, которая постепенно утрачивает очевидное эмоциональное начало, превращаясь в запрограммированный ритуал.

Сергей Кирющенко

Родился в России в 1951 году. Закончил сначала Белорусский государственный политехнический институт, затем Белорусскую академию искусств. Входил в состав легендарного объединения «Немига-17». Участник многочисленных совместных проектов как в Беларуси, так и за рубежом. Одними из крупнейших персональных выставок являются «Пространство синего» (Минск, 1994), «Искушение пространством» (Минск, 2001), «Метаболизм живописи» (Германия, 2010).

Как признается художник, его творческий путь сложен и неоднозначен. Первые шаги в области нетрадиционного искусства были связаны с полным неприятием художественного процесса, который происходил в Минске в конце 1960-х. Толчком к самостоятельным поискам стало знакомство с оригиналами работ Матисса в Эрмитаже.
Сначала был глубокий интерес к архаике, которая виделась художнику как противовес доминирующему вокруг соцреализму. Затем поиск в области абстрактных, непривязанных к реальным знакам формам (путь от экспрессионизма до геометричности). На рубеже веков в творчестве Кирющенко возникает «решетка» (эмблема модернизма), которая становится «доминантой» для многих работ художника.

Сергей Кирющенко:

― Меня всегда интересовала пространственная многослойность знаков. Через «решетку» я понял, насколько параллельны друг другу мир идеальный и мир реальный. Решетка стала для меня образом модульности современного мира.

С «решетки» в творчестве Кирющенко начались эксперименты с глубиной и объемом на плоскости. Он называет это ― «заглянуть за квадрат Малевича». Художник помещает конкретные формы в пространственный контекст и наблюдает за тем, как эти формы начинают меняться. По его словам, «украшательство» его раздражает. Он предпочитает переводить реальность в систему сухих, лаконичных знаков, оставляя самое важное.
Несмотря на уже значительные достижения в своем творчестве, Сергей Кирющенко не собирается останавливаться.

С.К.:

― Сейчас нельзя останавливаться на «находках». Нужно идти вперед, менять углы зрения. Художнику необходимо быть постоянно открытым. Изучать, анализировать, искать.


Тамара Соколова

Основной материал Тамары Соколовой ― огнеустойчивая глина «шамот», с которой она работает уже более 30 лет. Является членом Союза художников Беларуси, была участником «Немиги-17». Ее работы находятся в коллекции Национального художественного музея Беларуси, в музеях Украины и России, а также в частных собраниях Франции, Италии, Германии, Польши, США, Швеции.

Как говорит художница, для нее проще сделать работу, чем рассказать о том, что она делает. Поэтому свое творчество она комментировала мало, делая акцент на встречах и событиях, оказавших влияние на ее становление. Если говорить о формах, то Соколова призналась, что простота и лаконичность всегда интересовали ее больше всего. Формула, к которой в результате пришла художница, оказалась простой ― это куб. «Я могу сказать, что это квинтэссенция моих поисков».

Помимо керамических работ, Тамара Соколова продемонстрировала цикл своих графических работ, сделанных на бумаге простым фломастером. Оставаясь верной лаконичности и простоте, художнице удалось найти неожиданный подход к традиционным материалам и формам. Непостижимое графики Соколовой для многих присутствующих на встрече стало открытием.

«Многословие для искусства ― порочный момент. Главное ― это ясность идеи, превращение ее в некий знак и символ», ― прокомментировала Тамара Соколова.