В рамках проекта «На пути к современному музею» продолжаются встречи с белорусскими современными художниками. Героями нынешней субботней встречи под названием «Искусство и репрезентация реальности» стали Алексей Хоботов, Руслан Вашкевич и Зоя Луцевич.
Самой распространенной «интерпретацией» задачи искусства является «подражание жизни». Уже в примитивных первобытных художественных формах историки видят, в первую очередь, «способ» отражения реальности, пик которого достигается с развитием реалистической живописи (вплоть до использования камер-обскур для большей достоверности), а затем трансформируется с появлением авангардных направлений искусства 20 века. Но даже за самыми абстрактными формами искусствоведы различают «реальные» знаки действительности.
Леонид Хоботов
Родился в 1950 году в городе Речица Гомельской области. Учился в Белорусской академии искусств. В 1986 году стал председателем легендарного творческого объединения «Немига-17». Произведения Хоботова находятся в собраниях белорусских и российских музеев, а также в частных коллекциях Беларуси, России, Франции, Испании, Канады, Израиля, Германии, США.
Рассказ о себе Леонид Хоботов начал со своей работы «Судьба», которая, по его словам, стала для него точкой отсчета.
Леонид Хоботов: «Я очень долго работал над этой картиной, почти 9 лет. Хотя с самого начала знал, что такая форма в нашей стране бесперспективна. Но мне это было необходимо. За этой картиной моя биография».
Далее последовала работа «Купание», в которой художник все смелее осваивает новую пластику. И, наконец, «Прима», после которой Хоботова начинают узнавать. «Начиная с этого полотна, я уже начинаю иметь право претендовать на индивидуальную пластику и стиль» ― говорит художник.
Про работы Хоботова часто говорят, что они монохромны. Но художник утверждает, что они цветные. Это те нюансы, которые замечают профессионалы или те, кто «не боится» провести у картины продолжительное время. С другой стороны, Хоботов отмечает, что часто зритель в большей степени «оплодотворяет» работу художника смыслами, о которых во время процесса даже и не думаешь. Но «не думать» ― это хорошо, потому что «самая лучшая работа та, где голова не участвует» ― говорит Хоботов.
Леонид Хоботов: «Плач»
Распад «Немиги-17» художник назвал естественным. В середине 80-х возникновение «Немиги-17» стало замечательным выходом из состояния застоя, которое наблюдалось в художественной среде тех лет. Апофеозом существования объединения стала выставка в Третьяковской галерее в 2002 году в Москве, после которой, по словам Хоботова, Третьяковка изменила себе и там начали выставлять современное искусство. Но стадность ― это неестественное состояние для художника, поэтому, исчерпав себя, «Немига-17» исчезла.
Важной для Хоботова является тема пространства, которое, по его словам, тесно связано с местом, где он родился. «Это краеугольный камень во мне. Масштаб, который я задаю в своих работах, речицкий».
Несмотря на то что формы искусства продолжают эволюционировать и новое поколение стремительно движется вперед, Хоботов признается, что с интересом наблюдает за молодыми художниками. Они становятся для него энергетическим «зарядом». Он хочет говорить на языке актуального искусства, но изменять своему стилю не собирается.
Леонид Хоботов: «Тема»
Л.Х.: «Мне кажется, в Беларуси огромный потенциал в системе искусства. Это выход из духовного кризиса, о котором мы постоянно говорим».
Руслан Вашкевич
Руслана Вашкевича в Беларуси знают и принимают как в альтернативных проектах, так и в официальных. Например, в конце прошлого года это были «II Белорусская биеннале современного искусства» во Дворце искусств, «Шкала Рихтера» в галерее «Ў», а также участие в Open The Doors, Belorussian Art Today в Вильнюсе.
Творчество Вашкевича неоднозначно с точки зрения стиля: от очевидной «китчевости» до абсолютно серьезного исследовательского подхода. В рамках встречи художник рассказал о своих работах разных периодов, а главное ― о задачах, которые перед собой ставил.
Объясняя свои проекты, Вашкевич постоянно использует слово «исследование». Это правомерно, потому что за каждой его работой стоит персональный интерес художника к той реальности, которая его окружает. Он исследует цвет, совмещает пространства и смыслы, играет с ракурсами. «Я фигуративный художник, но издеваюсь над «фигурами» как могу».
Вашкевич искренне «завидует» способности других художников объединяться в группы, потому что «только в команде искусство способно парализовать». Но для себя он выбрал другой путь. Придумал «тренажерный зал», где собрал группу художников, с которыми ему было бы интересно. «Достойными собеседниками» Вашкевича стали Пикассо, Веласкес, Малевич и многие другие гении. «Мне очень интересно работать с историей искусств. Я вдохновляюсь даже плохими художниками» ― говорит Вашкевич.
Руслан Вашкевич: «Белка»
Постоянный диалог с «традицией» Вашкевичу необходим. Он рассказал историю тибетского монаха, который разбил кубок, потом склеил его, и только после этого стал из него пить. Итогом «тренировок» стали многочисленные «трансформации» (один из любимых методов художника) шедевров мирового искусства. Например, знаменитый карлик Веласкеса, препарированный Вашкевичем разными методами: от анимирования до подачи с разных ракурсов. Часть работ из проекта «Рифмы», где, помимо прочего, художник, обращаясь к высказыванию Оскара Уайльда, «интерпретирует» жизнь как подражание искусству.
Из работ других циклов запоминается его «Мадам и Евнух» (современная интерпретация образов Адама и Евы). Художник очень точно улавливает тенденцию трансформации современности не только с точки зрения формы, но и смыслов.
Руслан Вашкевич: «Мадам и Евнух»
Руслан Вашкевич: «Мне нравится работать с формой скандала и шока. Мне кажется, она эффективнее по воздействию».
Зоя Луцевич
Представитель известной художественной династии, Зоя Луцевич так и не смогла получить академического художественного образования. Полное неприятие традиционной системы обучения стало причиной конфликтов с педагогами, в результате которых она была отчислена из Белорусской академии искусств. Но продолжила обучение в Дюссельдорфе. Ее работы экспонировались в Беларуси, России, Болгарии, Польше, Литве, Германии, Австрии, США. Многие отмечены премиями и призами. Зоя Луцевич является членом Белорусского союза художников и союза дизайнеров. С 2006 года ― арт-директор галереи Zoya в Варшаве.
По словам художницы, специально вдохновение она не ищет. Темы возникают от увиденных и услышанных от людей историй.
Зоя Луцевич: «Мне нравится превращать обычные вещи в необычные. Например, однажды я получила из Америки посылку с просроченными презервативами. Сначала расстроилась, а потом подумала: но я ведь художница, я должна с этим что-то сделать!».
Искусство для Луцевич очень серьезная вещь, поэтому говорить о нем она может только несерьезно. Такими же «несерьезными» являются ее коллажи, объекты, скетчбуки.
Зоя Луцевич: из проекта LITÄRA
З.Л.: «До сих пор в Беларуси приходится сталкиваться с резким непониманием. Если это не реалистическая живопись, то начинают спрашивать: что это значит? Поэтому я начала подписывать изображения: это слон, это натура».
З.Л.: «У художника есть два пути: когда он точно знает, про что говорит, или не знает, но пытается это открыть… Я пытаюсь создавать красоту. Видеть небо в луже ― это то, чем я занимаюсь».
Встречи с художниками продолжаются. Расписание смотрите на сайте конкурса critic.urban.by
Самой распространенной «интерпретацией» задачи искусства является «подражание жизни». Уже в примитивных первобытных художественных формах историки видят, в первую очередь, «способ» отражения реальности, пик которого достигается с развитием реалистической живописи (вплоть до использования камер-обскур для большей достоверности), а затем трансформируется с появлением авангардных направлений искусства 20 века. Но даже за самыми абстрактными формами искусствоведы различают «реальные» знаки действительности.
Леонид Хоботов
Родился в 1950 году в городе Речица Гомельской области. Учился в Белорусской академии искусств. В 1986 году стал председателем легендарного творческого объединения «Немига-17». Произведения Хоботова находятся в собраниях белорусских и российских музеев, а также в частных коллекциях Беларуси, России, Франции, Испании, Канады, Израиля, Германии, США.
Рассказ о себе Леонид Хоботов начал со своей работы «Судьба», которая, по его словам, стала для него точкой отсчета.
Леонид Хоботов: «Я очень долго работал над этой картиной, почти 9 лет. Хотя с самого начала знал, что такая форма в нашей стране бесперспективна. Но мне это было необходимо. За этой картиной моя биография».
Далее последовала работа «Купание», в которой художник все смелее осваивает новую пластику. И, наконец, «Прима», после которой Хоботова начинают узнавать. «Начиная с этого полотна, я уже начинаю иметь право претендовать на индивидуальную пластику и стиль» ― говорит художник.
Про работы Хоботова часто говорят, что они монохромны. Но художник утверждает, что они цветные. Это те нюансы, которые замечают профессионалы или те, кто «не боится» провести у картины продолжительное время. С другой стороны, Хоботов отмечает, что часто зритель в большей степени «оплодотворяет» работу художника смыслами, о которых во время процесса даже и не думаешь. Но «не думать» ― это хорошо, потому что «самая лучшая работа та, где голова не участвует» ― говорит Хоботов.
Леонид Хоботов: «Плач»
Распад «Немиги-17» художник назвал естественным. В середине 80-х возникновение «Немиги-17» стало замечательным выходом из состояния застоя, которое наблюдалось в художественной среде тех лет. Апофеозом существования объединения стала выставка в Третьяковской галерее в 2002 году в Москве, после которой, по словам Хоботова, Третьяковка изменила себе и там начали выставлять современное искусство. Но стадность ― это неестественное состояние для художника, поэтому, исчерпав себя, «Немига-17» исчезла.
Важной для Хоботова является тема пространства, которое, по его словам, тесно связано с местом, где он родился. «Это краеугольный камень во мне. Масштаб, который я задаю в своих работах, речицкий».
Несмотря на то что формы искусства продолжают эволюционировать и новое поколение стремительно движется вперед, Хоботов признается, что с интересом наблюдает за молодыми художниками. Они становятся для него энергетическим «зарядом». Он хочет говорить на языке актуального искусства, но изменять своему стилю не собирается.
Леонид Хоботов: «Тема»
Л.Х.: «Мне кажется, в Беларуси огромный потенциал в системе искусства. Это выход из духовного кризиса, о котором мы постоянно говорим».
Руслан Вашкевич
Руслана Вашкевича в Беларуси знают и принимают как в альтернативных проектах, так и в официальных. Например, в конце прошлого года это были «II Белорусская биеннале современного искусства» во Дворце искусств, «Шкала Рихтера» в галерее «Ў», а также участие в Open The Doors, Belorussian Art Today в Вильнюсе.
Творчество Вашкевича неоднозначно с точки зрения стиля: от очевидной «китчевости» до абсолютно серьезного исследовательского подхода. В рамках встречи художник рассказал о своих работах разных периодов, а главное ― о задачах, которые перед собой ставил.
Объясняя свои проекты, Вашкевич постоянно использует слово «исследование». Это правомерно, потому что за каждой его работой стоит персональный интерес художника к той реальности, которая его окружает. Он исследует цвет, совмещает пространства и смыслы, играет с ракурсами. «Я фигуративный художник, но издеваюсь над «фигурами» как могу».
Вашкевич искренне «завидует» способности других художников объединяться в группы, потому что «только в команде искусство способно парализовать». Но для себя он выбрал другой путь. Придумал «тренажерный зал», где собрал группу художников, с которыми ему было бы интересно. «Достойными собеседниками» Вашкевича стали Пикассо, Веласкес, Малевич и многие другие гении. «Мне очень интересно работать с историей искусств. Я вдохновляюсь даже плохими художниками» ― говорит Вашкевич.
Руслан Вашкевич: «Белка»
Постоянный диалог с «традицией» Вашкевичу необходим. Он рассказал историю тибетского монаха, который разбил кубок, потом склеил его, и только после этого стал из него пить. Итогом «тренировок» стали многочисленные «трансформации» (один из любимых методов художника) шедевров мирового искусства. Например, знаменитый карлик Веласкеса, препарированный Вашкевичем разными методами: от анимирования до подачи с разных ракурсов. Часть работ из проекта «Рифмы», где, помимо прочего, художник, обращаясь к высказыванию Оскара Уайльда, «интерпретирует» жизнь как подражание искусству.
Из работ других циклов запоминается его «Мадам и Евнух» (современная интерпретация образов Адама и Евы). Художник очень точно улавливает тенденцию трансформации современности не только с точки зрения формы, но и смыслов.
Руслан Вашкевич: «Мадам и Евнух»
Руслан Вашкевич: «Мне нравится работать с формой скандала и шока. Мне кажется, она эффективнее по воздействию».
Зоя Луцевич
Представитель известной художественной династии, Зоя Луцевич так и не смогла получить академического художественного образования. Полное неприятие традиционной системы обучения стало причиной конфликтов с педагогами, в результате которых она была отчислена из Белорусской академии искусств. Но продолжила обучение в Дюссельдорфе. Ее работы экспонировались в Беларуси, России, Болгарии, Польше, Литве, Германии, Австрии, США. Многие отмечены премиями и призами. Зоя Луцевич является членом Белорусского союза художников и союза дизайнеров. С 2006 года ― арт-директор галереи Zoya в Варшаве.
По словам художницы, специально вдохновение она не ищет. Темы возникают от увиденных и услышанных от людей историй.
Зоя Луцевич: «Мне нравится превращать обычные вещи в необычные. Например, однажды я получила из Америки посылку с просроченными презервативами. Сначала расстроилась, а потом подумала: но я ведь художница, я должна с этим что-то сделать!».
Искусство для Луцевич очень серьезная вещь, поэтому говорить о нем она может только несерьезно. Такими же «несерьезными» являются ее коллажи, объекты, скетчбуки.
Зоя Луцевич: из проекта LITÄRA
З.Л.: «До сих пор в Беларуси приходится сталкиваться с резким непониманием. Если это не реалистическая живопись, то начинают спрашивать: что это значит? Поэтому я начала подписывать изображения: это слон, это натура».
З.Л.: «У художника есть два пути: когда он точно знает, про что говорит, или не знает, но пытается это открыть… Я пытаюсь создавать красоту. Видеть небо в луже ― это то, чем я занимаюсь».
Встречи с художниками продолжаются. Расписание смотрите на сайте конкурса critic.urban.by